LA VIEJA GUARDIA

“La vieja guardia” (The old guard, Estados Unidos 2020). Dirección: Gina Prince-Bythewood. Guion: Greg Rucka. Protagonistas: Charlize Theron, KiKi Layne,  Matthias Schoenaerts, Luca Marinelli y Chiwetel Ejiofor. Duracion: 125 minutos.

“La vieja guardia” es una película de acción fantástica protagonizada por la ganadora del Oscar como Mejor actriz Charlize Theron, en la que interpreta a una guerrera inmortal. Esta dirigida por Gina Prince-Bythewood y completan el elenco KiKi Layne, actriz con una carrera ascendente, Matthias Schoenaerts, Luca Marinelli y Chiwetel Ejiofor.

Basado en la novela gráfica de Greg Rucka, quien también cumple la función de guionista, cuenta la historia de Andy (Theron), una guerrera inmortal que lidera un equipo de gente como ella que son perseguidos por un agente de la CIA (Eijeofor) que busca capturarlos para que su ADN sea usufructuado por una empresa farmacéutica. Y mientras tanto descubren a Nile (Lane), una joven inmortal como ellos a la que suman a su grupo.

Entre lo que se puede destacar de “La vieja guardia” se encuentra la actuación de Charlize Theron. Porque vuelve a demostrar su destreza física y habilidad para que resulte verosímil este personaje que tiene puntos en común con la Mujer Maravilla por su inmortalidad y búsqueda de pasar desapercibida. Así como también vale la pena reconocer el buen uso de flashbacks de épocas pasadas en las que vivieron los personajes, para darle al espectador una idea de cuánto tiempo estuvieron vivos, recurso utilizado también al comienzo de “Highlander, el ultimo inmortal” (Highlander,Russell Mulcahy 1986).

Pero esta película no termina de funcionar porque si bien es buena la decisión de utilizar una puesta en escena tradicional, que no se sobrecargue de efectos visuales ni de montaje, sus escenas de acción son escasas y demasiado cortas, desaprovechando la buena idea de mezclar armas de fuego con espadas en los combates. Y en su lugar algunas escenas con largas reflexiones sobre la inmortalidad, o discursos políticamente correctos, resultan demasiado largas, lo que no sería un problema si no ralentizaran el desarrollo de la trama insertándose a modo de discurso en lugar de fusionarse con la misma.

En conclusión, “La vieja guardia” es una película que trata un tema interesante para una película de acción, pero que no termina de funcionar porque le dedica mucho tiempo a la reflexión sobre la inmortalidad de sus personajes y poco a las escenas de acción. Lo que termina haciendo que el espectador vaya perdiendo interés en una trama que no levanta ni siquiera en su clímax, con lo que dificulta la posibilidad de poder continuar la franquicia.

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ARTEMIS FOWL: EL MUNDO SUBTERRANEO

Artemis Fowl: El mundo subterráneo (Artemis Fowl, Estados Unidos 2020). Direccion: Kenneth Brannagh. Guion: Conor McPherson y Hamish McColl, basados en la novela homónima de Eoin Colfer. Protagonistas: Ferdia Shaw, Lara McDonnell, Josh Gad, Nonso Anozie, Colin Farrell y Judi Dench. Duración: 95 minutos.

Artemis Fowl: El mundo subterráneo es una película orientada al público infantil, dirigida por Kenneth Brannagh y estrenada directamente en la señal de streaming Disney +. Su protagonista es el niño Ferdia Shaw, que como Artemis Fowl hace su debut cinematográfico, y lo acompañan Lara McDonnell, Josh Gad, Nonso Anozie, Colin Farrell y la ganadora del Oscar Judi Dench, entre otros.

Basado en la novela homónima de Eoin Colfer, Artemis Fowl: el mundo subterraneo cuenta la historia del personaje del título, el hijo de un coleccionista de arte millonario (Farrell) que debe rescatar a su padre secuestrado por un maléfico personaje llamado Opal Koboi. Y para ello descubrirá un mundo subterráneo mantenido en secreto, donde habitan las criaturas mágicas y contará con la ayuda de Holly Short (McDonell), un hada soldado y el enano gigante Mulch Diggums (Gad)

El principal problema de esta película se encuentra en su estructura narrativa, porque su segundo acto es demasiado corto. Y es así como pasamos de un extenso primer acto a un tercero con escasos minutos del segundo, por lo que las situaciones se resuelven demasiado rápido. Por eso el espectador puede sentir que su corta duración se debe a que falto algo, lo que resulta extraño viniendo de Kenneth Brannagh, cuya carrera como director comenzó adaptando obras de William Shakespeare.

Pero también vale la pena destacar el muy buen uso de algunos planos secuencia, algo característico en su director, y la espectacularidad de algunas escenas de acción, lo que puede entretener al público infantil a quien está destinado de forma exclusiva. Así como también la banda sonora, a cargo del nominado al Oscar Patrick Doyle, que se inspira en la música irlandesa para crear así un universo diegético basado en la mitología de ese país.

En conclusión, “Artemis Fowl: El mundo subterráneo” es un caso similar al de “Percy Jackson y el ladrón del rayo” (Percy Jackson & the Olympians: The Lightning Thief, Chris Columbus 2010), la primera adaptación cinematográfica de una serie de novelas en las que las criaturas mitológicas conviven en el mundo actual. Pero ambas resultan fallidas porque cometen el error de ser pensadas como franquicias, por los que no son más que el primer capítulo de una serie, y si bien pueden entretener al público al que se dirigen, desaprovechan su enorme potencial, a pesar de en este caso contar con un director con una gran experiencia en adaptaciones literarias.

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5 SANGRES

“5 Sangres” (Da 5 bloods, Estados Unidos 2020). Dirección: Spike Lee. Guion: Spike Lee, Danny Bilson, Paul De Meo y Kevin Willmott. Protagonistas: elroy Lindo, Jonathan Mayors, Clarke Peters, Norm Lewis, Isiah Whitlock Jr., Paul Walter Hauser, Mélanie Thierry, Jean Reno y Chadwick Boseman. Duración: 154 minutos.

“5 Sangres” es el título de la última película de Spike Lee, un director afroamericano de larga trayectoria, cuyos proyectos más personales abordan las problemáticas de su colectividad en Estados Unidos. Y en esta ocasión aborda un relato coral, contando con un reparto formado por Delroy Lindo, Jonathan Mayors, Clarke Peters, Norm Lewis, Isiah Whitlock Jr., Paul Walter Hauser, Mélanie Thierry, Jean Reno y Chadwick Boseman, entre otros.

La historia se centra en cuatro veteranos de la guerra de Vietnam, que junto al hijo de uno de ellos regresan al país para repatriar los restos del líder de su escuadrón (Boseman). Pero esa es la pantalla para recuperar una valija llena de lingotes de oro enterrada también allí. Y mientras se cuenta la historia se intercalan materiales de archivo fílmico y fotográfico que explican las motivaciones de sus personajes en la actualidad, dentro el contexto histórico del que formaron parte y que los sigue condicionando.

Desde el punto de vista técnico vale la pena destacar el uso narrativo del cambio de formato, digital para la actualidad y analógico para los flashbacks. Lo que, sumado al cambio de formato de la pantalla por una más angosta en los segundos, permite que el espectador reconozca fácilmente en que época se encuentran sus protagonistas, ya que no son reemplazados por actores más jóvenes y conservan el mismo aspecto, dando a entender que el tiempo no paso para ellos. Y lo mismo ocurre con el material de archivo que se intercala a lo largo del relato, dejando claro qué momentos forman parte de la actualidad, cuales del pasado y cuáles son extradiegéticos.

Pero la principal contra que tiene esta película es que no confía en la potencia narrativa de su relato, por lo que recurre constantemente al material de archivo como bajada de línea, algo propio del estilo de Spike Lee. Por eso cuando deja de ‘mostrarle’ al espectador para explicarle mediante este recurso documental, lo distrae, generando un efecto  anticlimático, como ocurre claramente con la escena del campo minado. Porque según mi parecer, con la secuencia de fotos y material de archivo del comienzo, alcanzaba como único recurso extradiegético.  Y hubieran cobrado más fuerza los recursos diegéticos, como las críticas a Paul (Lindo) por parte de sus amigos por haber votado a Donald Trump y la diferenciación ideológica explícita con “Desaparecido en acción” (Missing in action, Joseph Zito 1984), cuyo argumento es similar.

En conclusión, “5 sangres” es una de las películas más personales de Spike Lee, ya que en un relato de ficción puede abordar de forma sintética gran parte de las temáticas tratadas a lo largo de su obra, basada muchas veces en personajes reales como “Malcolm X” (1992). Y si bien es sorprendente cómo demuestra que los conflictos durante la guerra de Vietnam siguen vigentes en la actualidad, falla al no confiar en el potencial de su historia y recurrir a la bajada de línea característica de su obra, pero cuya redundancia en este caso la vuelve anticlimática.

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LOS ÚLTIMOS DÍAS DEL CRIMEN

“Los últimos días del crimen” (The Last Days of American Crime, Estados Unidos 2020). Direccion: Olivier Megaton. Guion: Karl Gajdusek, basado en la novela grafica Radical Publishing, de Rick Remender y Greg Tocchini. Protagonistas: Edgar Ramirez, Michael Pitt, Anna Brewster, Tamer Burjaq y Sharlto Cooper. Duracion: 148 minutos.

“Los últimos días del crimen” es la última película dirigida por el francés Olivier Megaton, producida por Netflix, y estrenada directamente en formato de streaming. Está protagonizada por Edgar Ramirez, quien interpreta al ladrón de bancos Graham Bricke, y lo acompañan Michael Pitt, Anna Brewster, Tamer Burjaq y Sharlto Cooper, entre otros.

Basada en la novela gráfica Radical Publishing , el guion de Karl Gajdusek cuenta la historia de Graham Bricke, un ladrón de bancos que se asocia con Kevin Cash (Pitt), el hijo de un poderoso gángster y Shelby Dupree, (Brewster) su novia hacker, para llevar a cabo un robo billonario. Y deben hacerlo antes de que el gobierno active un sistema que bloquea a las personas que cometen actos delictivos mediante una señal que se transmite por todo Estados Unidos, terminando así con el crimen de ese país.

Lo primero que vale la pena destacar de “Los últimos días del crimen” es la construcción de sus personajes adecuados a los tópicos del cine negro. Es así como tenemos a un protagonista, un delincuente frío y eficaz que se rige mediante un código ético, a un socio impulsivo que puede hacer que todo se eche a perder y a una mujer fatal que les esconde un secreto. Y  la relación entre ellos genera el suspenso necesario para mantener al espectador activo, ya que dan lugar a unos cuantos giros en la trama que pueden sorprenderlo.

Desde el punto de vista técnico vale la pena destacar el montaje, con un ritmo que no decae en ningún momento, a pesar de que la trama tenga desvíos que hacen que la distraigan del conflicto principal, de modo que se extienda innecesariamente. Porque al igual que en “Días extraños” (Strange Days, Katherine Bigelow 1995), a la que se asemeja tanto en su trama como en su estética, hay una fecha límite que se nos recuerda a cada rato para generarnos una mayor tensión. Así como también la eficacia de las escenas de acción, muchas veces exagerada por la cantidad de disparos o volumen de las explosiones, que vuelven a demostrar la eficacia narrativa de Olivier Megaton para este género.

En conclusión, “Los últimos días del crimen” es una película de acción eficaz, porque entretiene a pesar de su argumento desordenado y su duración excesiva. Lo que la convierte en un buen entretenimiento para aprovechar en Netfllix, que es para lo que fue concebida desde el principio.

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LA CORAZONADA

La corazonada es la primera película producida en Argentina por Netflix estrenada exclusivamente en su servicio de streaming. Y se trata de la precuela de “Perdida“, un policial dirigido por Alejandro Montiel en 2018. En esta ocasión este mismo director vuelve a trabajar junto a Luisana Lopilato, quien repite el papel de la detective Manuela “Pipa” Pelari, acompañada por Joaquín Furriel, Rafael Ferro, Maite Lanata, Delfina Chaves y Marita Ballesteros.

La historia, basada en la novela “La virgen en tus ojos“, de Florencia Etcheves, quien escribió el guion junto al director, cuenta dos tramas paralelas que se intercalan.  Porque “Pipa” debe trabajar junto al inspector Francisco Juánez en la investigación del crimen de una joven cuya principal sospechosa es su mejor amiga, y utilizar el caso como excusa para investigar a su compañero, sospechoso también del asesinato de un joven  atropellado con un auto.

Desde el punto de vista técnico vale la pena destacar el muy buen trabajo de fotografía a cargo de Guillermo Nieto, quien utiliza tonos fríos propios del género policial del que forma parte. Así como también hace un buen uso de los drones y el cambio de foco dentro de una misma imagen otorgándole así el alto standard de calidad visual propio de las producciones de Netflix.

Pero el principal problema de esta película es, al igual que en su antecesora, la inverosimilitud del personaje de Pipa, ya que si bien podría resultar interesante, está construido de una forma errónea, pues el aspecto físico no coincide con la rudeza de su personalidad, a pesar de que se nos da entender que es una joven que reniega de su origen social para convertirse en policía. Joaquín Furriel, en cambio, compone mejor a este investigador eficaz que genera empatía con el espectador, aun sabiendo que es el principal sospechoso de un crimen que tuvo motivos para cometer, asunto que sostiene una trama desordenada.

Otro aspecto en el que la película falla al construir verosimilitud es en el diseño de producción, a cargo de Germán Naglieri. Porque al querer universalizar la trama para alcanzar un público internacional, hace que no parezca que transcurre en la Argentina actual. Y esto se puede apreciar en algunos detalles, como al comienzo que un grupo de jóvenes juegan al básquet en un terreno, que un investigador de la policía tenga un auto BMW o que el despacho de un fiscal parezca el de un poderoso empresario. Todo lo contrario a lo que ocurre en “Nueve reinas” (Fabián Bielinsky, 2000), un caso exitoso dentro del género que exagera la argentinidad generando mayor empatía con los espectadores de todo el mundo.

En conclusión, “La corazonada” es una película que entretiene, pero a la que el inverosímil de algunos aspectos de su puesta en escena le juega en contra. Porque la trama es clara, pero se desaprovecha el enorme potencial del personaje de Pipa y el diseño de producción genera confusión, lo que mejor aprovechado podría haber dado como resultado un muy buen thriller.

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Crítica: La corazonada (Netflix), por José Tripodero

UNIDOS

“Unidos” (Onward, Estados Unidos 2020). Dirección: Dan Scanlon. Guion: Dan Scanlon, Keith Bunin y Jason Headly. Con las voces de: Tom Holland, Chris Pratt, Julia Louis-Dreyfus, Mel Rodgriguez y Octavia Spencer. Duración: 102 minutos.

Unidos es la última película de animación realizada por Pixar, coescrita y dirigida por Dan Scanlon. En su versión original cuenta con las voces de Tom Holland como el elfo adolescente Ian Lightfoot y Chris Pratt como su hermano mayor Barley, acompañados por Julia Louis-Dreyfus en la voz de su madre Louis, Mel Rodriguez en la voz del comisario Bronco y Octavia Spencer como la Mantícora.

La película transcurre en un universo diegético propio de cuentos de hadas, donde la tecnología suplantó a la magia, aburguesando a todos sus habitantes. Pero los hermanos elfos Ian y Barley emprenden un viaje en busca de un diamante para terminar un hechizo que les permita estar con su padre fallecido por un día. Y esta aventura les permite descubrir este mundo olvidado mientras son perseguidos por la policía.

Al igual que el hechicero Merlín en el clásico animado “La espada en la piedra” (The sword in the stone, Wolfgang Reitherman 1963), el personaje de Barley cumple la función de mentor y comic relief. Y Chris Pratt presta su voz, aspecto físico y carisma para crear al personaje para que el público pueda identificarlo con Star Lord, protagonista de “Guardianes de la galaxia” (Guardians of the galaxy, James Gunn 2014) ya que ambos son conscientes que viven en un mundo equivocado que les fue arrebatado en su niñez.

Todo lo contrario ocurre con el personaje de Ian Lightfoot, quien siguiendo con la tradición bíblica es el hermano menor destinado a ser un héroe, ya que es que es el único puede ejercer la magia. Por eso es necesario su viaje iniciático la primera noche en que cumple la mayoría de edad, en la que irá aprendiendo a usar su poder a medida que va conociendo esa magia perdida por la sociedad aburguesada en la que se crió.

Pero como es una película destinada principalmente al público infantil, no se recurre a la solemnidad ni a largas explicaciones, sino que se cuenta mediante una extensa serie de gags efectivos desde su introducción, en la que se nos presenta claramente tanto el universo diegético como el conflicto principal. A lo que también hay que agregarle un ritmo acelerado que no decae en ningún momento, como es habitual en el cine de animación actual.

Por último, desde el punto de vista técnico, Pixar vuelve a demostrar su calidad visual característica, donde la perfección de los detalles marca la diferencia. Y esto puede apreciarse tanto en el uso de la luz para crear profundidad de campo en los planos generales, o la sensación de textura del pelo revuelto de Ian en los primeros planos del personaje.

En conclusión, “Unidos” es una película que utiliza el formato de comedia de aventuras infantil para contar una historia profunda sobre el viaje iniciático de un héroe en el que descubre, con la ayuda de un mentor, valores olvidados por una sociedad aburguesada. Y el resultado es satisfactorio, porque funciona en varios niveles, logrando así invitar a la reflexión a públicos de todas las edades sin por ello dejar de entretenerlo.

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MENTIRAS PELIGROSAS

Mentiras peligrosas” es una película producida por Netflix para su servicio de streaming, protagonizada por Camila Mendes, famosa por interpretar a Veronica Lodge en la serie Riverdale (2017 – ). Dirigida por Michael M. Scott, de una larga trayectoria televisiva, completan el elenco Jessie T. Usher, Sasha Alexander, Cam Gigandet, Jamie Chung y el nominado al Oscar como mejor actor de reparto Eliot Gould, entre otros.

Basada en un guion de David Golden, quien también tiene una larga experiencia televisiva, cuenta la historia de Katie (Mendes), una joven que hereda la casa de un anciano al que cuidaba (Gould), después de que este fallece. Pero cuando junto a su esposo Adam (Usher) encuentran una gran suma de dinero comienzan los problemas, dando lugar a una trama de suspenso con giros sorpresivos en los que la vida de sus protagonistas corre peligro.

Lo principal que vale la pena destacar de “Mentiras peligrosas” es su estructura narrativa, porque está compuesta de una forma clásica en el que el in crescendo dramático generado por las escenas de suspenso mantiene interesado al espectador. Así como también vale la pena destacar el buen uso de los movimientos de cámara, que permite mostrar en una sola toma diferentes situaciones en momentos clave sin necesidad de recurrir mediante el diálogo a largas explicaciones que resultarían  anticlimáticas.

Pero lo que le juega en contra a esta película es que no permite que terminen de funcionar como debieran las actuaciones, porque Camila Mendes, quien se luce en Riverdale, no logra expresar de forma convincente las diferentes sensaciones que experimenta esta persona común envuelta en una situación extraordinaria. Y lo mismo ocurre con Jessie T. Usher, que no logra que resulte verosímil su creciente ambición que lo convierte en sospechoso. La única excepción, en cambio, es Cam Gigandet, quien en su corta participación se luce como un antagonista seductor y peligroso.

En conclusión, “Mentiras peligrosas” es una película que funciona bien, porque atrapa al espectador haciendo un buen uso del suspenso y los puntos de giro en una trama con elementos similares a Luz que agoniza (Gaslight, George Cuckor 1944) y la multipremiada “Parasitos” (Gisaengchung, Bong Joon Ho 2019). Y de esa forma se compensan las flojas actuaciones de su dúo protagónico, convirtiéndose así en un buen  entretenimiento para aprovechar en Netflix.

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RETRATO DE UNA MUJER EN LLAMAS

“Retrato de una mujer en llamas” (Portrait de la jeune fille en feu, Francia 2019). Guion y Dirección: Céline Sciamma. Protagonistas: Noémie Merlant y Adèle Haenel,  Luàna Bajrami  y Valeria Golino. Duracion: 122 minutos.

Retrato de una mujer en llamas es una película francesa ganadora del premio al Mejor Guion en el último Festival de Cannes y nominada al Globo de Oro como Mejor Película extranjera. Escrita y dirigida por Céline Sciamma, está protagonizada por Noémie Merlant y Adèle Haenel, acompañadas de Luàna Bajrami  y Valeria Golino.

La historia transcurre en la Bretaña francesa de 1760, lugar donde asiste la pintora Marianne para pintar el retrato de Héloïse, la hija de una condesa que está por casarse en un matrimonio arreglado. Pero debe hacerlo a escondidas, haciéndose pasar por dama de compañía mientras la observa, lo que termina haciendo que se enamore de su modelo. Y es así como entre ellas entablan una relación que se opone a las normas sociales establecidas en un ambiente protegido, sabiendo que no puede durar mucho tiempo.

Lo primero que vale la pena destacar de “Retrato de una mujer en llamas” es la austeridad de su puesta en escena. Porque si bien se trata de un melodrama de época, se lo reduce a la mínima expresión narrativamente posible. Y es así como durante la mayor parte de la película tenemos a estos cuatro personajes que habitan solos en esta casona aristocrática en la que sobra el espacio, en un caso similar al de “Los soñadores” (The dreamers, Bernardo Bertolucci 2003), aislados voluntariamente del mundo exterior.

Otro aspecto que vale la pena destacar son las actuaciones de su dúo protagónico, ya que la química en la pantalla entre Noémie Merlant y Adèle Haenel genera una tensión sexual que es llevada al extremo. Tensión que se genera mediante gestos, miradas y diálogos en los que se adivinan otras intenciones que intentan disimular haciéndolas pasar por curiosidad profesional. Y los hombres, en cambio, tienen una muy escasa participación manteniéndose fuera de campo, y es por eso que su aparición sobre el final genera una interrupción sorpresiva.

Por último, un párrafo aparte merece la fotografía, a cargo de Claire Mathon, por la que ganó numerosos premios, y se destaca por componer imágenes similares a las de pintores clásicos de diferentes etapas. Es así como puede apreciarse desde la quietud propia de las modelos renacentistas en algunos primeros planos hasta el movimiento del impresionismo en algunos planos generales del paisaje costero, que recuerdan a “La hija de Ryan” (Ryan’s daughter, David Lean 1970).

En conclusión, “Retrato de una mujer en llamas” es un melodrama de época contado en forma minimalista.  Pero que dentro de su formato clásico plantea la ética de algunas convenciones sociales que son transgredidas en un ambiente protegido. Y de esta forma se invita al espectador a reflexionar sobre el tema y sacar sus propias conclusiones.

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AMENAZA EN LO PROFUNDO

“Amenaza en lo profundo” es una película de terror y ciencia ficción, en la que un grupo de investigadores submarinos debe encontrar la forma de volver a la superficie mientras son acechados por extrañas criaturas. Esta dirigida por William Eubank y tiene un elenco encabezado por Kristen Stewart, acompañada de Vincent Cassel, T. J. Miller, Jessica Henwick, John Gallagher Jr., Gunner Wright y Mamoudou Athie.

Basada en un guion de Brian Duffield y Adam Cozad, la historia transcurre dentro de la Fosa de las Marianas, donde seis personas atrapadas en una base submarina buscan sobrevivir luego de que ésta se destruya por un terremoto. Pero la situación se complica aún más cuando comienzan a ser atacados por unas extrañas criaturas liberadas accidentalmente por las excavaciones que llevan a cabo en el suelo del lugar más profundo del planeta.

Lo primero que vale la pena destacar de “Amenaza en lo profundo” es el buen manejo del suspenso, posible gracias a un poder de síntesis narrativo, en el que se nos muestra lo justo y necesario. Esto hace que quede fuera de campo buena parte de la información, que el espectador reconstruye en su cabeza, aumentando así su incertidumbre sobre lo que va a ocurrir. Y en este sentido funciona mejor que la fallida Megalodon (The Meg, Jon Turterltaub 2018), que trata el mismo tema, pero apuesta por la acción.

También vale la pena destacar la dirección de fotografía, a cargo de Bojan Bazelli, por el uso contraste entre la luz artificial y la oscuridad natural del lugar donde transcurren los hechos, lo que genera la sensación de claustrofobia necesaria para que el peligro se sienta con mayor realismo. Además del uso narrativo de la imagen del comienzo, con un largo travelling donde se nos muestra la profundidad en la que habitan estos personajes. A esto hay que sumarle el vestuario, a cargo de Dorotka Sapinska, que hace lucir los trajes de buceo similares a los de los astronautas, siendo este otro punto en común con la estética de “Alien – el octavo pasajero” (Alien, Riddley Scott 1979).

En conclusión, “Amenaza en lo profundo” es una película que funciona porque hace un muy buen uso de los lugares comunes del género, y saca provecho de sus limitaciones. Porque su falta de innovación es suplantada por un excelente empleo de la síntesis narrativa, ofreciendo a cambio un entretenimiento efectivo.

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MISIÓN DE RESCATE

Misión de rescate (Extraction, Estados Unidos 2020). Dirección: Sam Hargrave. Guion: Joe Russo, basado en la novela gráfica “Ciudad”. Protagonistas: Chris Hemsworth, David Harbour, Randeep Hooda, Rudhraksh Jaiswal y Golshifteh Farahani. Duración: 116 minutos.

Misión de rescate” es la opera prima del especialista en escenas de acción Sam Hargrave. Protagonizada por Chris Hemsworth, lo acompañan David Harbour, el hindú Randeep Hooda, de larga trayectoria en el cine de su país, el joven Rudhraksh Jaiswal y la actriz iraní Golshifteh Farahani, entre otros.

Con un guion a cargo de Joe Russo, basado en la novela gráfica “Ciudad“, escrito junto a su hermano Anthony y el escritor Ande Parks, la película cuenta la historia de Tyler Rake (Hemsworth), un mercenario que debe rescatar al hijo de un poderoso narcotraficante hindú. Pero esta misión se convierte en una búsqueda de redención cuando se convierte en el hombre más buscado de la ciudad de Dhaka, en Bangladesh, con toda clase de delincuentes intentando asesinarlo.

Lo primero que vale la pena destacar de esta película son sus escenas de acción, no solo por su violencia explícita, sino también por el ritmo frenético de las mismas. Y esto se debe a que se inspiran en el estilo asiático de cine de acción, que prioriza lo físico por sobre los efectos especiales. Por eso se destaca una larga escena de persecución filmada en plano secuencia, donde su director logra lucirse generando adrenalina en el espectador.

Un párrafo aparte merece la actuación de Chris Hemsworth como este sanguinario mercenario que encuentra una posibilidad de redención salvándole la vida a un inocente. Porque se aprovechan sus limitaciones expresivas sacando el máximo provecho de su destreza física, como ocurría con las estrellas de cine de acción de la década del 80. Es por eso que la similitud con el personaje de Rambo, interpretado por Silvester Stallone, no se encuentra solamente en su habilidad para el combate, sino también en aceptar una misión difícil con la intención de calmar su conciencia salvando una vida, algo similar a lo que ocurre en “Rambo III” (Peter McDonald, 1988).

En conclusión, “Misión de rescate” es una película donde Chris Hemsworth se luce como héroe de acción al estilo de los de la década del 80. Y marca el debut en la dirección de Sam Hargrave, alguien a tener en cuenta en el futuro porque en este caso demostró un muy buen manejo del género.

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